Os 10 Melhores Filmes de Buster Keaton - "O Homem que Nunca Ri"

10. Luzes da Ribalta (1952)

Luzes da Ribalta, é, sem dúvida, o epítome das obras-primas. Foi escrito, dirigido e estrelado por Charlie Chaplin (Seu antepenúltimo filme), e retrata o fim da vida de um renomado (Mas esquecido) comediante: Calvero.

Buster Keaton, possui um ínfimo papel nesta obra (Como o parceiro de Calvero nas últimas cenas), contudo, ver os dois maiores astros do cinema mudo contracenando é algo simplesmente memorável. Por este fato e muitos outros Luzes da Ribalta, merecidamente fez jus em estar nesta lista.

            
A título de curiosidade, posso ressaltar que, Luzes da Ribalta foi a única vez que Charles Chaplin recebeu um Oscar competitivo, por sua vez, na categoria de Melhor Trilha Sonora.

9. The Saphead (1920)

The Saphead foi o primeiro filme de Keaton no papel principal, que por sua vez, só o  conseguiu por uma recomendação do eterno Douglas Fairbanks.

Não é um filme excepcional, carece pela cadência formulaica, mas ainda possui bons momentos. O brilho, como é de se esperar, fica todo por conta do aspirante à astro.

          

8.  Marinheiro por Descuido (1924)

Risadas garantidas do início ao fim do filme, "Marinheiro por Descuido" supera em muito as boçais comedias atuais.

Estória sadia casada com boas atuações, foi o quarto filme dirigido por Keaton que já havia demonstrado talento sobre os diretores fachada dos grandes estúdios.

7. O Cameraman (1928)

Estamos em 1928, na infeliz decadência comercial de nosso astro. Nova safra de atores, novas tendências e temas cinematográficos consubstanciados com o exórdio do cinema falado obscureceram as comédias de Keaton.

          
Nada obstante, percebam que escrevi decadência comercial... Os filmes de Keaton, até 1934, possuíam qualidade fabulosa (Julgando-se que eram praticamente levados no ombro de um único ser). O Cameraman é a prova disto.

           
Tal película é indubitavelmente o primeiro filme metalinguístico, mostrando mais uma vez o pioneirismo de Keaton no cinema.

6. Nossa Hospitalidade (1923)

Tal filme apresenta duas ou três cenas já imortais na história do cinema mudo. Humor em sua melhor forma.

            
Keaton nunca usou dublês em seus filmes. De família circense (Vaudeville), ele próprio fazia suas coreografias e stunts (Apesar da opinião contrária dos produtores). Neste filme (Dentre muitos machucados), podemos salientar o seu quase afogamento na cena da cachoeira. Incrivelmente, após os primeiros socorros, Keaton não estava satisfeito com o resultado final da tomada e refilmou a cena (Desta vez sem se afogar).

5. Vaqueiro Avacalhado (1925)

Com certeza, Keaton dá vida ao vaqueiro mais atrapalhado do Velho-Oeste, nesta produção dirigida por ele próprio.

           
No período consistido entre 1923 e 1927, Buster Keaton realizou as maiores pérolas da comédia do cinema mudo, rivalizando diretamente com Chaplin, apesar de não angariar a fama social deste último. Felizmente, o vaqueiro Friendless (Sem amigos, em inglês) viveu nessa época.

4. Sete Chances (1925)

O contador Jimmie Shannon (Buster Keaton) está a beira da falência e não sabe mais o que fazer para manter seu negócio. Miraculosamente um conhecido advogado informa-lhe que seu falecido avô lhe deixou 7 milhões de dólares de herança. Contudo, para herdar tal montante, Jimmie precisa estar casado até as 19:00 hs de seu 27º aniversário, que seria mais precisamente... HOJE!

          
Este filme já foi refeito algumas vezes, nenhum superando o original, seja no forma ou mérito. Sete Chances é um clássico em toda sua formosura. É impossível não arregalar os olhos na última cena.

              
Até hoje possui o recorde de maior número de noivas em um filme. (!!!)

3. Sherlock JR. (1924)

Uma lupa, 7 regras e Buster Keaton. O resultado? Um dos maiores filmes de comédia de todos os tempos. Eu consegui rir sem parar durante 50 minutos. E o filme tem 45 minutos. (!!!)

Conta com tomadas inovadoras para a época, estas, por sua vez, se não ficassem perfeitas na primeira tentativa, Keaton as deixava de lado e simplesmente tentava algo diferente. Como ele mesmo dizia: "Se a comédia não for espontânea e única, não é boa comédia". Sherlock Jr. transmite alegria em sua forma mais primordial, descompromissada e sincera. O maior detetive do mundo do cinema, Sherlock Junior, com certeza está carimbado no coração de todos os cinéfilos. 

2. Marinheiro de Encomenda (1928)

Steamboat Bill Jr, no original, foi o último grande filme de Keaton, que apesar de não ter sido creditado também o dirigiu.

   
Seja através de imagens ou até do filme em si, nós todos já conhecemos a famosa cena do ciclone. Ela está (Pelo menos em minha opinião) entre as 10 maiores cenas do cinema, seja pelas cômicas acrobacias de Keaton ou pela eternamente plagiada cena da casa caindo sobre ele.

           
Lembram do primeiro filme do Mickey Mouse, "O Vapor de Willie", também de 1928? Aquele com o barquinho a vapor (Steamboat)? Meus caros, Walt Disney se inspirou neste filme de Keaton para criar o primeiro filme do ratinho mais famoso da história!

              
Buster Keaton era um Mestre da comédia. Um mestre quase inigualável!

         
O filme possui comicidade... E muita. Mas, o esmero fica todo por conta das incríveis acrobacias (Dois ossos quebrados, aliás) de Keaton durante o ciclone. Nossos olhos sequer piscam!

            
Depois deste filme (Lembram da decadência? Estamos em 28), Keaton fechou seus estúdios e  firmou contrato com a MGM. Esta, por sua vez, não se adaptou ao escrupuloso perfeccionismo do astro, que cinco anos depois o fariam ser demitido. O alcoolismo consubstanciado com problemas financeiros, levaram um dos maiores astros do cinema ao esquecimento. Buster Keaton viveria apenas no coração de seus apreciadores...

1. A GENERAL (1926)

Eu creditei nota 10, até hoje, somente a cinco filmes... O General está entre eles.

            
A estória: Johnnie (B.K.) ama apenas duas coisas no mundo, sua namorada Annabella Lee e seu trem, "A General". Quando a Guerra Civil estadunidense começa, Johnnie é recusado no alistamento, pois, sua profissão como engenheiro locomotivo seria muito mais valiosa no decurso do conflito do que a de soldado. Annabella pensa que ele foi recusado por ser um covarde. Antes que ele consiga se explicar, "A General" é sequestrada por soldados da União com Annabella a bordo. Com isso, Johnnie precisa salvar ambos amores de sua vida.

         
Me pergunto, mesmo depois de ter assistido o filme quatro vezes, como determinadas cenas foram filmadas? Tudo é suntuoso, meus caros, tudo! A cena da ponte caindo, da batalha as margens do rio Mississipi, a perseguição de locomotivas... Não há uma cena sequer que seja passível de alheação. Risadas e tensão, esse é "A General". Assistam este filme, meus caros, valerá e muito a pena. 

Este foi meu tributo à Buster Keaton, homem este, que levou inspiração e alegria ao coração de muitos. "Rosto de Pedra", obrigado por ter existido.

O Salário do Medo (1953)

Olá, meus caros.

Na análise de hoje o esplêndido filme "O Salário do Medo", de Henri-Georges Clouzot. Obra-prima do cinema francês, é descrito como clássico do Cinema Mundial. Simplesmente inigualável em inúmeros critérios.

Tensão! Creio que esta seja a melhor palavra para caracterizar a grandiosidade desta obra. O roteiro, as atuações, o método de filmagem é além do inacreditável, tudo isso consubstanciado com o suspense irrefreável, tornam "O Salário do Medo" um filme ainda por ser superado.

               
Lembro de inteirar-me sobre tal película através de meu vizinho, um senhor extremamente afável. Ele disse-me: "Já que você gosta de filmes antigos, já deve ter assistido O Salário do Medo, certo?". Meio envergonhado por nunca sequer ter ouvido falar do filme em questão, respondi: "Não, coronel. Nunca assisti." Ele franziu o cenho, olhou-me nos olhos e retorquiu: "Então, meu caro, aconselho-lhe à assistir". Foi um dos melhores conselhos que havia recebido naquele ano.

Mas o que torna O Salário do Medo tão suntuoso?
    
A começar pela direção de Clouzot (Que consagrou-se na história do cinema com esse trabalho), o elenco, passando pelo período em que o filme é ambientado, até o roteiro e a maneira que ele foi explorado, são os fatores chave para o êxito desta produção.

               

O enredo é consideravelmente simples. Um dos poços de petróleo de uma empresa estadunidense (SOC),  localizado em um país não mencionado da América do Sul, sofre um acidente e acaba lamentavelmente sendo incendiado. A única maneira de parar o vazamento é com o uso de explosivos. Como se a situação já não estivesse custosa, o único explosivo disponível para esse desastre encontrava-se na sede da empresa, que por sua vez, distava 500 quilômetros do poço. O petardo em questão: Nitroglicerina. Dois caminhões, carregados com este infernal líquido, precisariam ir de uma cidade a outra para interromper o vazamento. Não obstante, a estrada que liga os dois pontos é mais danificada que a BR-235 em dia de chuva. Entenderam o porque da tensão?

    

          Lembra da Fonte dos Desejos? Atualmente ela é de Petróleo. 

Isso nos leva a segunda parte do enredo: Quem seriam os motoristas dos infames caminhões?

No país em que o filme é ambientado, em especial na cidade sede da empresa, existem dezenas de imigrantes que saíram de sua terra natal em busca de emprego. Eles podem ter encontrado tudo nessa aventura, menos algum ofício. Por não possuírem dinheiro para pagar as taxas da alfândega, e consequentemente voltarem para seu país de origem, a cidade tornou-se um reduto de desempregados. Nesse quadro, a empresa de petróleo oferece pagar todos os custos alfandegários para quatro voluntários. A missão deles... Você já pode imaginar.

                           

Vida chata, né?

Eis que surgem nossos quatro protagonistas!
     
O primeiro deles, o quase playboy da Córsega, Mario. Interpretado por Yves Montand, que na época ainda não era um ator tão renomado, Mario simplesmente não aguenta mais a vida enfadonha que leva, e deseja mais do que tudo sair do país. Tal papel foi merecidamente aclamado. Montand capta toda a angústia de sonhos não realizados e transforma em uma virtuosa atuação. A maneirismo de Mario é singular... Você se importa com o personagem na grande maioria das cenas, apesar de sua impertinente personalidade. No fundo, ele é apenas uma pessoa tentando sobreviver nas veredas da vida.

Yves Montand, interpreta Mario, o aspirante a bon-vivant. 

Charles Vanel da vida ao ex-criminoso Jo, o segundo de nossos "heróis". Apresentado inicialmente como uma pessoa versada e experiente, Jo deixa por transparecer, a partir da metade da trama, seu verdadeiro "eu". Uma pessoa que atribui a velhice, a culpa por sua covardia. Somente no fim do filme, Jo se redimi perante suas ações e realiza um ato de bravura (Pelo menos a visão dele próprio).

Jo, o Covarde Corajoso.

O alemão Peter van Eyck, representa Bimba, homem que retêm o infortúnio de ter tido os pais assassinados no regime nazista. Personagem bastante centrado, sangue-frio e persistente. Em muitos aspectos Bimba é o oposto de nosso próximo intérprete.

          
Por fim, temos Luigi (Folco Lulli), pessoalmente meu personagem favorito. Luigi é um pascácio sujeito, extremamente robusto e ao mesmo tempo de coração-mole. Por ter trabalhado desde sua infância como pedreiro, Luigi infelizmente descobre que está padecendo por inalação prolongada de pó de cimento. É, meus caros, os pulmões dele estão virando pedra. Literalmente! 
         
Os poucos momentos cômicos do filme ficam por conta de Luigi. De personalidade bastante espontânea, sua figura nos faz encontrar comprazimento nos momentos menos esperados.

          
Depois de muito meditar nos longínquos templos da península de Kola, creio ter descoberto o porque da escolha de colocar-se Bimba e Luigi no mesmo caminhão. Talvez  tenha sido uma homenagem aos patriarcas da contraposição de personalidades, "O Gordo e o Magro". Em algumas cenas conseguimos sentir um pouco do sentimento nostálgico que a lembrança de Laurel & Hardy nos trás. Imagino que os produtores nem pensaram nisso, contudo, tornou-se (Pelo menos em meu caso) uma coincidência digna de ser salientada.  

Estes são os 4 principais personagens da trama, porém, sinto-me imensuravelmente obrigado a comentar sobre Linda, interpretada por Vera Clouzot. Filha de um comerciante local, Linda possui um amor descomedido por Mario, que por sua vez, a trata de forma quase sadística. Religiosa e inocente, a beleza de Linda se destaca em todas as cenas em que aparece.
     
A caráter de curiosidade, posso ressaltar (Para aqueles que ainda não perceberam) que Vera Clouzot é a esposa de Henri-Georges Clouzot. Ela apareceu em apenas 3 filmes, todos dirigidos pelo esposo. Não obstante, meus caros, Vera Clouzot é brasileira! É isso mesmo! Ela nasceu no Rio de Janeiro e imigrou para França na sua adolescência. 

A bela Vera Clouzot interpreta Linda, o Amor negligenciado. 

Partirei agora, meus caros, para a análise das generalidades da produção.

A narrativa do filme inicia-se em uma cadência normal, nunca deixando de lado a excepcional direção de arte. Os personagens são apresentados e a trama toma corpo, para que, à partir da metade do filme, o suspense impere.
    
O Salário do Medo é um dos poucos filmes que me fizeram vilipendiar a respiração. Acreditem, meus queridos, respirar se torna secundária quando vê-se um caminhão carregado de nitroglicerina subindo um barranco prestes a desmoronar. 

                                            Você teria coragem?

A relação entre os personagens, em especial a rivalidade, é muito bem abordada. É nesse momento que indiscutivelmente sentimos que um bom roteiro consegue levar um filme costas (Não que esse seja o caso). Os diálogos são trabalhados de maneira ímpar, constituídos de todos os valores intrínsecos das relações humanas. Clouzot faz um frio retrato do ser humano quando exposto a situações extremas. Os personagens são cúmplices de sua própria degradação.  

   
Seguindo esse raciocínio, são nas partes finais do filme que fica mais evidente o porque dele ser considerado uma obra-prima (Muito semelhante com "O Tesouro de Sierra-Madre").

               

Dos demais elementos cinematográficos como, fotografia, edição, figurino e afins, não há muito o que ser discutido. Tudo molda-se perfeitamente ao filme. Os ângulos das tomadas foram muito bem lapidados por Clouzot, transmitindo vivacidade a todo momento. Na primeira metade do filme, as cenas são bem abertas, muitas vezes mostrando o horizonte. No decorrer do mesmo, os planos reduzem-se e diversas cenas são feitas apenas com o rosto do protagonista em quadro, deixando visível o sentimento de desespero que todos passavam.

      
A trilha sonora é ausente na maior parte do filme (Principalmente à partir da metade). Todavia, este é um recurso clássico de filmes de suspense, usado para aumentar a expectativa e a tensão das cenas. Não há muito o que ser comentado aqui.

                               A Bíblia dos protagonistas.

  Tanto Yves Montand como Charles Vanel contraíram conjuntivite depois dessa cena.  

O Salário do Medo é baseado na obra homônima de Georges Arnaud, escritor francês extraditado que presenciou a condição dos trabalhadores sem sindicato da América do Sul e Central. Uma das críticas do filme reside nas relações de imperialismo dos EUA sobre as outras nações americanas. A empresa de petróleo (Southern Oil Company - SOC) importa-se apenas com o lucro, retratando o homem simples como sendo mais barato que um barril de seu produto. No Tio Sam, o filme foi censurado com justificativas de antiamericanismo.

Por fim, desejo frisar algo que percebi em minha pesquisa para essa análise. O nome original do filme é "Le Salaire de la Peur", certo? Praticamente em todos os países em que foi lançado o título foi traduzido literalmente. The Wages of Fear, El Salario del Miedo. Até mesmo em russo: Плата за страх (Sendo cmpax, medo em russo). O motivo é bastante claro, ressaltar a palavra MEDO, sentimento este que todos os protagonistas sentiram, e quem sabe, até mesmo os espectadores. Fiquei surpreso pelo Brasil não ter traduzido o título para algo totalmente diferente do original como é de costume por aqui. Provavelmente este filme se chamaria: "As Fantásticas Aventuras dos Quatro Caminhoneiros na Terra de Guadalupe", mas tivemos sorte.

Concluo, meus caros, que O Salário do Medo realmente merece ser apreciado. Serão 150 minutos muito bem aproveitados. Para nossa geração, que está acostumada com incríveis efeitos especiais, O Salário do Medo pode parecer um filme ignóbil. Não é o caso. Precisamos nos colocar na época em que o filme foi realizado. Acreditem, a perspectiva da crítica transforma-se totalmente. 

Nota: 10

        Os verdadeiros heróis são aqueles que geralmente não lembramos os nomes.

Cyborg (1989)

Olá, meus caros.

Como esta será a primeira postagem do blog, preparei o review de uma quase "obra-prima" (E um dos filmes que mais gosto) do cinema B. Cyborg, estrelado por Jean-Claude Van Damme, os "Músculos de Bruxelas".

O que dizer à respeito de Cyborg? Bom, foi dirigido por nada mais nada menos que o mestre Albert Puyn. Conhecido primordialmente por seus filmes de baixo orçamento, Puyn nos surpreende com cenas muito bem filmadas e uma cadência de filme incrível, julgando-se a limitação de orçamento e equipamentos desse tipo de projeto. Van-Damme que já havia demonstrado sua extrema competência em Black Eagle (1988), e no papel de Frank Dux em Bloodsport (1987), filme que o levou ao estrelato, demonstra em Cyborg que um bom filme não é feito apenas de explosões e lutas, e sim de Explosões, Lutas e Vingança! Nada obstante, tal filme apresenta o antagonista pós-apocalíptico mais "badass" do cinema. Fender (Vincent Klyn) é simplesmente o Mal em sua forma mais pitoresca. Nisso, fica nas mãos de Gibson (Entenderam o trocadilho dos nomes? Foda pra c....), interpretado por Van Damme, salvar a mocinha, a raça humana e vingar sua família, morta pelas mãos de Fender.

Só gente boa, né?

Sim, meu caro, a história é bem clichê. Eu sei... Contudo, não é uma inteira perda para o conjunto da obra. Apesar da evidente falta de criatividade do enredo, souberam elaborá-lo muito bem nos 80 min. de filme. Isso, agregado das cenas de luta e da temática pós-apocalíptica tornam Cyborg um filme bastante prazeroso, em especial para os fãs de Van-Damme.

  

Fender Tremolo pronto para sua sessão de tortura matinal.

Lembram da mocinha que comentei à pouco, ela é a Cyborg que o filme leva o nome. Em seu cérebro semicomputadorizado encontra-se a cura para a praga que exterminou 90% da população terrena e que continua a assolá-la. Fender rapta a moça em questão, o que leva Gibson em uma busca heroica para resgatá-la. Passando por pântanos, esgotos, ruínas e cidades aniquiladas, Gibson dá pelas bordoadas na boca de qualquer um que tentar impedi-lo (Quase sempre com sucesso).

                 Van-Damme prova que o espacate é eficaz em qualquer tempo e situação.   

Acredite se quiser, mas Cyborg foi inicialmente planejado para ser uma adaptação cinematográfica do Homen-Aranha! Se este não se findasse, o que foi o caso, Cyborg seria transformado na sequência de Master of the Universe, aquele filme néscio do He-Man com Dolph Lundgren (Arghhh!!! Qualquer outro dia eu escrevo sobre essa merda cósmica). Meio difícil de acreditar, certo? 

Bom, a história é a seguinte. Albert Puyn, havia sido escalado para dirigir os dois filmes mencionados. Todavia, depois de inúmeros problemas financeiros, a Cannon Films precisou encerrar seus contratos com a Marvel e a Mattel, detentoras dos direitos autorais do Homen-Aranha e de He-Man na epóca. Como ela já havia gasto, aproximadamente 2 milhões de dólares em pré-produção, decidiu realizar um projeto não relacionado aos anteriores para recuperar um pouco do montante investido, nisso Albert Puyn foi recontratado para dirigir um novo filme. Puyn escreveu o roteiro de Cyborg em um final-de-semana e o filmou em apenas 24 dias (!!!). Cyborg arrecadou 10 milhões de dólares mundialmente.

O papel principal foi inicialmente oferecido para Chuck "The Fucking Awesome King of Kicks" Norris. Mas ninguém escolhe Chuck Norris para filmes. Chuck Norris é que escolhe os filmes. Portanto, ele acabou recusando.

 É baixinho... Nem tudo é um mar de rosas....

Bom, meus caros, em suma Cyborg é um filme muito bom. Possui seus problemas, como quase todo filme, mas são 80 minutos bem aproveitados. Vale a pena. Fãs do Van-Damme ou da série FallOut irão simplesmente adorar.

Nota: 8

Au revoir